Las mejores películas son las que logran crear una experiencia estética que vincule el vivir, las emociones y el espíritu; esto se hace a través de la originalidad de una historia, personajes honestos, la reflexión, la destreza en la narración, el montaje audiovisual, las distintas miradas sobre la realidad y la capacidad para sumergirnos en ella; el cine es una ventana hacia el descubrimiento de otros mundos.
Encasillarnos en una fórmula conocida -en una misma clase de cine- sería cerrar la ventana hacia otras realidades y posibilidades, limitarnos a una visión que nos mantiene cómodos.
Es por eso que en esta ocasión te invito a conocer diez películas del cine mundial que te brindarán una perspectiva distinta de lo que es el cine en otros países.
La Grande Illusion (1937)
Esta obra maestra del director Jean Renoir, más que de guerra y sufrimiento es acerca de paz y equidad social. No es una película de trincheras ni de heridos. No hay combates ni ruinas sino un claro mensaje humanitario sobre libertad.
La cinta transcurre durante la Primera Guerra Mundial. El capitán Boïeldieu y el teniente Maréchal han sido capturados por soldados alemanes y son trasladados a un campo de prisioneros. Ahí entablan una amistad con varios prisioneros, entre los que se encuentran el hijo de un banquero judío, un actor de teatro, un ingeniero y un maestro, quienes comienzan a planificar conjuntamente su fuga.
Tanto Orson Welles (“Citizen Kane”) como David Lean (“Lawrence of Arabia”) citaron “La Grande Illusion” como una de sus películas favoritas de todos los tiempos, mientras que el presidente Roosevelt la aclamó, expresando que es “la película que todos los demócratas deberían ver”.
Por otro lado, durante la SGM, Joseph Goebbels, ministro de propaganda de Hitler, declaró a la película como el “enemigo cinematográfico número uno”.
link: https://www.youtube.com/watch?v=hctrYzVYmfM
Persona (1966)
Persona, del director sueco Ingmar Bergman es una cinta visualmente impresionante, un desafío intelectual y emocionalmente desgarradora.
La cinta cuenta la historia de Elisabeth Vogler, una actriz de teatro que durante la mitad de una representación dejó de hablar. Simplemente no se encuentran causas medicas ni psicológicas que expliquen su silencio. En ese momento llega Alma, una joven enfermera que cuidará de Elisabeth e intentará hacerla hablar. Sin embargo, no tiene mucho éxito y poco a poco la paciente va tomando el lugar de la enfermera, mostrando una interesante dualidad entre ambos personajes.
“Persona” es una comprensión acerca de las máscaras que utilizamos, nos muestra una dimensión surrealista, onírica, abstracta, y destructiva.
“¿Crees que no lo entiendo? El sueño imposible de ser. No de parecer, sino de ser. Consciente en cada momento. Vigilante. Al mismo tiempo, el abismo entre lo que eres para los otros y para ti misma, el sentimiento de vértigo y el deseo constante de, al menos, estar expuesta, de ser analizada, diseccionada, quizás incluso aniquilada. Cada palabra una mentira, cada gesto una falsedad, cada sonrisa una mueca”.
link: https://www.youtube.com/watch?v=s8TJ2d7-1e8
Ladri di biciclette (1948)
Indudablemente una de las películas más representativas del neorrealismo italiano; “Ladri di biciclette” es una cinta que captura de forma simple y elemental, el declive del espíritu humano a manos de la pobreza, la indiferencia y la desesperación.
La película de 1948, dirigida por Vittorio de Sica, narra la historia de Antonio Ricci, esposo y padre de familia en busca de un trabajo digno, en una época en la que el dinero y trabajo escaseaban. Luego de ser contratado para colocar carteles por la calles de Roma, empeña unas sábanas para poder comprar una bicicleta que le es robada durante su primer día de trabajo. Es ahí cuando comienza toda la aventura de Antonio junto a su hijo Bruno por recuperar su bicicleta.
link: https://www.youtube.com/watch?v=Myo2vOIGvLQ
Bronenosets Potemkin (1925)
Considerada por muchos como la mejor película propagandística y como una de las mejores cintas en la historia del cine, El acorazado Potemkin, dirigida por Sergéi Einsenstein, logra crear un drama universal, aún cuando su enfoque se encuentra en la revolución rusa de 1925 desde la perspectiva de unos mairineros.
Más allá de ser una cinta de carácter propagandístico, la película marcó las bases para lo que hoy conocemos como lenguaje cinematográfico y montaje. El movimiento de cámara (uso de travellings), los planos en picada, el uso del foco, utilizar la imagen como símbolo, usar la repetición de imágenes para evocar ideas y generar tensión en las acciones, el contraste entre el ritmo interno de la escena y el ritmo del montaje, son sólo algunos ejemplos de cómo esta película significó un parteguas en el desarrollo del cine.
link: https://www.youtube.com/watch?v=u13TMl9pnZA
Cinema Paradiso (1988)
Una verdadera carta de amor al cine, escrita y dirigida por el increíble Giuseppe Tornatore.
“Cinema Paradiso” narra la historia de Salvatore, quien luego de treinta años regresa a su pueblo natal para asistir al funeral de su viejo amigo Alfredo, quien fue el proyeccionista del cine local cuando él era niño. Durante su estancia comienza a revivir los recuerdos de su infancia en el cine, de Elena -su primer amor- y de todos los capítulos que vivió en la comunidad que abandonó.
La cinta también fue aclamada por su música original compuesta por Ennio Morricone y obtuvo el premio a Mejor película de habla no inglesa en los Premios de la Academia.
link: https://www.youtube.com/watch?v=jL4cuicJkfw
Los olvidados (1950)
Muchas veces ignoramos el cine nacional sin tomar en cuenta que éste también representa una forma distinta de ver la realidad.
“Los olvidados” es el filme más serio y crítico del director español Luis Buñuel. En dicha cinta, Buñuel retrata un México del que no se hablaba mucho; en una industria dominada por cintas como “Nosotros los pobres” donde se mostraba un México pobre pero en un entorno idealista, “Los olvidados” marcó un fuerte contraste mostrando una visión cruda y realista de los barrios pobres de la Ciudad de México.
Así mismo, los aspectos surrealistas que añade Buñuel y la fotografía del maestro Gabriel Figueroa llena de contrastes, convierten al film en una increíble exposición sociológica que promueve la reflexión del espectador.
link: https://www.youtube.com/watch?v=HBDgOrB76Rk
Jalsaghar (1958)
Mediante un estilo sutil, austero y lírico, el aclamado director indio, Satyajit Ray, creó una de las cintas más importantes para cine de la India al realizar una extraordinaria mezcla entre la cultura bengalí y algunos temas universales como la pérdida emocional.
“El salón de música” cuenta la historia de Hazur Biswambhar Roy, un aristócrata de mediana edad en la India que a pesar de que su suerte continúa disminuyendo, Hazur se aferra a su orgullo y trata de mantener su estatus social y patrimonio ofreciendo lujosas fiestas en la sala de música de su mansión, aún cuando no puede pagarlos. Luego de una tragedia, Hazur entra en una profunda depresión que lo lleva a dar una última gran fiesta en su sala de música.
Curiosamente, la cinta fue un fracaso en su país de origen al momento de su lanzamiento. Sin embargo, conforme fue llegando gradualmente a Europa y Estados Unidos en la década de los 60, la película se convirtió en un éxito crítico y financiero, lo que ayudó a su director a ganar reputación internacional.
link: https://vimeo.com/157662519
Metropolis (1927)
Considerada como la cumbre del cine expresionista alemán, “Metropolis”, dirigida por Fritz Lang, destaca diversos temas como la lucha de clases, la explotación capitalista a la clase obrera y el avance tecnológico como medio para dañar a la humanidad. Aún así la cinta propone una visión esperanzadora de la sociedad.
En este clásico del cine mudo destacan la arquitectura imponente, los movimientos casi teatrales por parte de los actores para exteriorizar los sentimientos y sobre todo, la fascinante imaginación de Lang y su materialización en una Babel futurista.
link: https://www.youtube.com/watch?v=RAtl9joJ40A
Citizen Kane (1941)
Considerada por muchos como la mejor película de la historia, “Citizen Kane” dirigida por un joven Orson Welles, fue el comienzo de una nueva forma de hacer cine en cuanto a lenguaje y narrativa audiovisual se refiere.
La cinta narra la vida y legado de Charles Foster Kane, quien está basado en el magnate de la prensa William Randolph Hearst. Como espectadores seguimos la historia a través de la investigación de un periodista que quiere conocer el significado de la última palabra que dijo el magnate antes de morir: Rosebud.
Es difícil imaginar que una obra maestra como “Citizen Kane” fuera realizada por un joven de 25 años. Y no sólo eso, sino que ésta significó su primer acercamiento al mundo del cine; Orson Welles dirigió, escribió, produjo y protagonizó con gran éxito este filme, convirtiendo a la cinta en uno de los mayores referentes del cine.
link: https://www.youtube.com/watch?v=xTDsCF76oLs
Shichinin no samurai (1954)
Dirigida por el aclamado director japonés Akira Kurosawa, “Los siete samuráis” además de presentar las bases del cine acción y aventura, es un ejemplo de lo que significa el desarrollo de personajes y las relaciones entre ellos.
En general la historia es fácil de comprender: Una aldea gobernada por el miedo decide contratar a un grupo de samuráis para que los defiendan y así librarse de la opresión de una banda de forajidos. El verdadero mérito de Kurosawa fue tomarse el tiempo de desarrollar cada uno de los personajes de manera verosímil. La cinta no sólo es acción y muerte, es una muestra de las relaciones entre los samuráis y la aldea.
“Los siete samuráis” también es un logro técnico, sus largas tomas de acción sólo pudieron ser posibles gracias al uso de tres cámaras (algo que incluso hoy no se ve mucho en el cine); los escenarios de las peleas, la coreografía, así como el montaje de las batallas también son de los aspectos más reconocidos de esta cinta, los cuales continuamos viendo en películas de acción actuales.
link: https://www.youtube.com/watch?v=tBNTvs_wKUY
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